Judex (1963) Dir. Georges Franju

Judex existe en su propio universo, todos los elementos de este poético montaje son resultado de un entendido claro en mantener una tensión constante en cada toma avanzando en escenarios con diseños preciosos como artilugios, vestuarios, estatuas, etc; hipnotizando al espectador La experiencia al ver por primera vez a Judex el héroe, así en seco, ante la cámara, puede ser sino una de las introducciones a escena de un protagonista más increíble que haya visto, el surrealismo y la magia presentes en este momento añade una chispa constante de sorpresas a lo largo de todo el filme.

Parece no ser necesariamente importante conocer a detalle la historia y referencias detrás de este homenaje a los atemporales e inmortales clásicos del cine mudo, que han demostrado que ante la culturalidad mutante del arte cinematográfico es un cine firme con historias únicas y de fácil consumo para cualquiera dispuesto.

El desarrollo de los actos son condensados de forma austera en 96 minutos en los que Franju trato de hacernos a entender intenciones, motivos y moralidades de los personajes de esta maravillosa historia, un juego así de divertido como en las primeras obras de Guy Ritchie.

Bringing Out the Dead (1999)

Frank Pierce: Saving someone's life is like falling in love. The best drug in the world. For days, sometimes weeks afterwards, you walk the streets, making infinite whatever you see. Once, for a few weeks, I couldn't feel the earth - everything I touched became lighter. Horns played in my shoes. Flowers fell from my pockets. You wonder if you've become immortal, as if you've saved your own life as well. God has passed through you. Why deny it, that for a moment there - why deny that for a moment there, God was you?.

Entre la colección enorme de largometrajes, documentales, cortos y diversas producción a cargo del más que prolífico director Martin Scorsese, tenemos a este filme estrenado en 1999, año ciertamente cargado de excelentes filmes, a recordar Magnolia (P. T. A.), The Straight Story (Lynch), Abre los Ojos (Almodóvar), The Matrix (Wachowski's Sisters) y su cercana antítesis en el estilo estético de la construcción de una ciudad dormida y un protagonista en insomnio, The Fight Club (Fincher). Bringing Out The Dead surge de la colaboración entre Scorsese y el guionista Paul Schrader (Taxi Driver, Raging Bull, The Card Counter).

Con un protagonista exhausto, torturado por su consciente y un sentido del deber de tener que servir a una comunidad en completo caos, trabajando en forma de "vigilante" por la ciudad, como paramédico de guardias nocturnas. La deconstrucción de los personajes de Schrader es increíble, el hecho que en esta película el personaje a diseccionar sea Nicolas Cage (Frank) es para poder divagar por horas sobre las lecciones actorales que siempre nos presenta, en la sobreactuación, satisface cada detalle que aporta a sus películas.

De muchos aciertos, quiero señalar la perfecta representación de ciertos personajes, que tratan como los compañeros de Frank, y que ayudan al dialogo perspicaz antimoral y en ocasiones hilarante en sus interacciones. Acompañando y dirigiendo el camino en una historia que explora la perdida, la sanidad, el deterioro mental, además de subtramas envueltos en simbolismos, el caso de la Muerte Roja la droga psicoactiva que tiene lugar en varias escenas, y los obvios referenciados hacia el catolicismo y el cristianismo.

Al comienzo se encuentra Frank y su compañero paramédico acuden a un llamado de urgencia por un probable caso de infarto agudo, al llegar a la escena, se encuentra un hombre adulto postrado inconsciente en el piso de un departamento de Nueva York, quien es declarado muerto, pero en la misma obsesión del personaje de Frank logra sacar al paciente al abortar la inminencia de su mortalidad, solamente para llevarlo a un hospital sobresaturado, con una evidente fatiga. En esta primera noche comienza un tétrico ambiente que no cesa, sin descanso para nadiel, ni los vivos ni los muertos.

Reflexión

Durante la mayoría de mi reciente y vergonzosa adultez he pertenecido al nicho profesional de la medicina. Maduré en situaciones complejas, situaciones que ameritan un cambio espontáneo a la personalidad, cualquier lector de este texto que haya tenido la oportunidad de acercarse laboralmente al servicio por el bien comunitario podría quizá entender mi siempre rebuscada forma de pensar.

La fuerza de cualquier expresión artística aunque invisible frente al pensamiento que merita la observación como único argumento valido, llega a ser sensible cuando se acerca de la forma adecuada. El sentimiento no es percibido, no es entendible, más bien nace desde la profundidad de la conciencia y el observador interpreta desde un "trigger" sensitivo solamente una parte del mundo a la idea del artista, perpetuando de esta manera una comunicación que rompe el entendimiento lógico, reafirmando una verdad que dicta la subjetividad del humano.

Mientras más pasa el tiempo se vuelve más presente para la importancia de un entorno social artístico. Sin señalar con responsabilidad, me abstengo de denunciar en esta ocasión, pues la actitud surge de la inspiración y ajeno a mi cotidianidad no me siento en la necesidad de ser negativo, el mensaje que es capaz de movilizar el alma inevitablemente producirá un cambio.

El cine en cualquiera de sus formas, el cine moral e inmoral, el cine poético, el denunciante, el reflexivo, el cine independiente son mi cruz y mi pasión. Un falso estoicismo peligra por el conformismo y arrastra el progreso personal, sino fuera por el arte se vería el mismo panorama todos los días, no cambiaría.

Lorenzo´s Oil (1992)

La terapéutica nace por la necesidad del flemoso, el dolor físico y psicológico que provoca la enfermedad afecta tanto al individuo-huésped como a una gran parte del linaje individual. La patología irrumpe en el equilibrio biológico de nuestro cuerpo y rompe con la inocencia de nuestra tranquilidad. La necesidad por una herramienta que pueda salvaguardar el bienestar de nuestra humanidad, se ha encaminado en tiempos recientes hacia un pensamiento científico. Evolucionamos del pensamiento errante de la búsqueda de una fuente que promete juventud eterna a emplear proteínas inmunitarias en dirección ahora de una eugenesia artificial.

Los galenos contemporáneos que aparte de practicar la medicina hacen uso justo de sus conocimientos enseñando a sus predecesores, vuelven de su academia una herencia a la humanidad. A mi criterio, vuelve esencial en la formación de cualquier medico comprender la enfermedad, pero sobre todo entender el contexto de la enfermedad.

Decidí ver esta película noventera un par de días previos al examen nacional de residencias medicas, y posterior a una reflexión vaga, variante pero extrañamente habitual sobre mi futuro en el área medica reproduje la cinta. Siendo un medico (en trámites aún) me encuentro en una posición moral privilegiada para observar y criticar este tipo de dramas.

Lorenzo´s Oil (1992) dirigida por George Miller y protagonizada por Nick Nolte y Susan Sarandon, cuenta la historia de una familia tradicional italo-americana y su brava lucha por el desarrollo de un tratamiento que pueda salvar la vida de su hijo Lorenzo Odone (Zack O´Malley) quien debuta a los 7 años con una enfermedad degenerativa cerebral con pésimo pronóstico conocida como Adrenoleucodistrofia. La frustración de la familia a las respuestas médicas representadas, los orillan a emplear tratamientos poco ortodoxos.

La crítica cinematográfica que pudiera nacer de esta película, se vuelve relativamente fácil, resaltando en obviedad la capacidad actoral de Sarandon, quien juega el papel de una madre devota a su hijo, y Nolte quien en su intento de ofrecer un extra a la dualidad actoral de ambos se queda corto por la decisión en escena de un acento italiano burdo y exagerado. El ritmo es bueno pues el trato al guíon es digno, signo clásico de una película de este tipo.

Ignorando algunas escenas dolorosamente melodramáticas, dignas de una tragedia griega, esta obra ofrece una historia real de un caso médico y ofrece secundariamente una discusión abierta a temas de médicos, éticos, científicos e incluso cuidados paliativos. Importante punto de discusión sería resaltar el hecho que en la búsqueda tortuosa e inspiradora de los Odone por un tratamiento dietético nace el Aceite de Lorenzo, terapia que no ha mostrado efectos benéficos, en el mejoramiento de los pacientes con Leucodistrofia.

The Piano Teacher (2001)

Adaptada de la novela homónima La Pianiste publicada en 1984 por Elfriede Jelinek una escritora multidisciplinaria de origen austriaco quien obtuvo el premio Nobel de Literatura en 2004, Michael Haneke crea uno de sus filmes mas destacados de su larga carrera cinematográfica, construyendo una obra fascinante sobre temas inconfesables logrando censurar nuestra propia vergüenza.

Con la destacada actuación de Isabelle Hupert como Erika Kohut, comienza una fascinante historia de represión sexual, intimidad familiar, perversión y sadismo, temas delicados y poco tolerados en la sociedad.

Durante el primer capitulo de la película, encontramos a Erika Kahut (genialmente interpretada por Isabelle Hupert) arribando a su viejo departamento el cual comparte con su madre, en cuanto se abre la puerta de ese hogar, comienza una discusión sobre la tardanza de su llegada que rápido escala a una pelea física entre estas dos mujeres, rompiendo el común personaje materno amable y caluroso mientras que la escena demuestra una agresiva representación de esta relación madre-hija, entendemos en este momento que esa barrera subjetiva de intimidad no solamente personal sino interpersonal, es corrompida por el elemento favorito de Haneke que es la violencia demostrando una atrevida narrativa.

Erika Kahut es una talentosa maestra de piano a finales de sus cuarenta trabajando en el prestigioso Conservatorio de Viena, vive reclusa en un pequeño departamento por su madre, una mujer histérica invasora de la privacidad de su hija, dos almas en constante conflicto. Erika se toma el tiempo dentro de su rigurosa vida, en donde la música y la obediencia materna parecen gobernar su destino, para calmar a su libido consume pornografía, practica el voyerismo e incluso la automutilación, demostrando de varias formas una represión sexual prácticamente tangible de nuestro protagónico.

Eventualmente aparece Walter Klemmer (Benoit Magimel) un joven y apuesto músico quien naturalmente al dejarse llevar por la belleza de Erika y el deseo carnal de conquistador termina por engañarse en un falso enamoramiento, enamoramiento que Erika trata de desvanecer con crueles medios de humillación y autoritarismo, espejismo de su madre, tratando de todas formas transformar el romance de Walter y volverlo parte de sus fantasías mas perversas.

Estos mal llamados fetiches son parte de una subcultura del capital humano que rechazamos, la dirección de Haneke diseca nuestros miedos transformando escenas aparentemente mundanas ¿hasta donde puede llegar una persona para lograr ser amado?

Iron-3 (2003)

"Es difícil decir que el mundo en que vivimos sea una realidad o un sueño"

Como amar a lo invisible? Una lucha interminable para el ego, peleando y discutiendo para demostrar dominio de genero. No hay forma de contar la historia de amor perfecta en los humanos, en 3-Iron no es un problema, ya que nuestros protagonistas no existen, es un amor entre dos fantasmas, dos cuerpos habitados por un par de animas que pasean en este cuerpo prestado sin expresión en sus rostros caminando y paseando por un mundo que ignora su presencia. Kim Ki-Duk se vuelve un poeta de lo metafísico al expresar el sentimiento mas puro de todos, el amor, un amor imposible entre dos almas errantes ignoradas y confinadas por el mundo de lo físico un tanto parecida a la obra de David Lowery, A Ghost Story (2017) donde la representación fantasmagórica de un amante es representada por una sabana sobre el cuerpo merodeando y observando el cosmos infinito; de un lado tenemos a un guapo bohemio en la segunda década de la vida, viviendo una vida muy poco ordinaria en simbiosis con un mundo que no reconoce su presencia, donde hay infidelidades, violencia, adulterio y donde no existe paz ni silencio, por otro lado tenemos a una hermosa joven que vive atrapada con su violentador el cual se ha encargado de consumir toda rastro de felicidad de su cuerpo, dejando solo una cara magullada.

Andando en una motocicleta por las calles de Seul Tae-suk (Hee Jae) es un vagabundo en busca de un hogar temporal en cualquier casa ajena que encuentre desocupada, ingresando ilegalmente a esos hogares el joven motociclista usa su ropa, come su comida, duerme en sus camas, realiza cualquier necesidad física que su cuerpo requiera, todo esto mientras se asegura de no dejar rastro alguno de su estancia, un fantasma, una tarde ingresa a una casa que pensaba se encontraba desocupada, mas sin embargo se topa con una hermosa chica con pasado de modelo, y que ahora posterior a un matrimonio con un hombre de la clase media alta se vuelve una ama de casa más victima de violencia doméstica, maltratada, golpeada y aislada del mundo exterior el motociclista al darse cuenta de lo que estaba pasando en este hogar decide comenzar una aventura con la chica, liberándola de su marido y compartiendo su vida de errante.

3- Iron habla de un hermoso romance entre dos almas perdidas, pero encontradas por situaciones poco probables, y que nos demuestra lo poco que sabemos del amor, escribo esta reseña por como me a hecho sentir este filme, conmocionado por el silencio, logró mover algo en mí que sentía estaba muerto despertando mi curiosidad por las coincidencias y lo improbable, un bello poema silente, sin palabras, el amor que nos demuestran estos dos fantasmas nace del compañerismo y de la búsqueda por un hogar donde puedan habitar juntos huyendo juntos de un pasado problemático, un cortejo sin diálogos, atravesando por situaciones difíciles y que pudiera rayar en lo bizarro luchan por sobrevivir en un mundo cruel, este filme concluye con una frase traducida del coreano donde básicamente dice que no se puede diferenciar a la realidad de los sueños, una apología a su obra neorrealista. Amamos sin sentirlo, adecuamos las situaciones que nos tocan y las adaptamos a nuestra comodidad confundimos la realidad con la fantasía sin detenernos a pensar si eso que sentimos es realmente amor o solo confort.

Withnail & I (1987)

Mi curiosidad y fascinación siempre se a inclinado hacia aquella formula de la narrativa que dice que la comedia es tragedia mas tiempo, probablemente tiene mucho que ver la apelación y empatía que generan historias trágicas a un pregraduado como yo, viviendo limítrofe a algunas comodidades mientras me aferro a sensaciones artífices de placer, una cerveza, un café, un porro o un cigarro, me generan a mí ese momento casi perfecto de desinhibición personal; mientras busco por películas confinado por mero gusto al genero de la comedia negra, aquellas con personajes solitarios, obsesivos, erráticos o ligeramente esquizoides son sin duda mis favoritas, desde clásicos como lo es la banda ligera de Monty Python (1960 - ) hasta clásicos mas contemporáneos como lo es la banda pesada de Edinburg en Trainspotting (1990), son filmes que desde la primera vez que los topé se volvieron de mis favoritos, con Withnail & I (1987) no fue la excepción, incluso me atrevo a decir que logró exceder mis expectativas en todos los sentidos.

Ambientada con gran precisión a la década de los 60's y teniendo detrás una producción inglesa histórica, Withnail & I persigue las peripecias de una amistad hundida en los vicios, la ansiedad y la bebida, quienes buscando un nuevo aire a sus vidas deciden tomar unas "vacaciones por accidente" terminando en un contrastado pueblito desolado en la cabaña del tío homosexual de Withnail (Robert E. Grant), donde los días son lluviosos y las noches heladas donde además pasan la mayoría del tiempo tratando de evitar la malilla y el hambre, mencionando a intelectuales como Charles Baudelaire y William Shakespeare, pero manteniendo una asombrosa sinceridad a lo largo de la trama, logra cuestionar la vida del romántico esperanzado.

La míseria generada por estos personajes escritos con toques autobiográficos por parte del escritor y director Bruce Robinson, es correctamente nivelada con humor y chistes situacionales de los protagonistas, creando un clásico de culto.

A Ghost Story (2017)

“Whatever hour you woke there was a door shutting” 

Durante los últimos años, A24 ha logrado grandes films en la industria, desde “Spring Breakers (2013)″ que nos mostró un refuerzo sonoro bastante bueno a una critica un tanto chusca de las nuevas generaciones MTV, hasta “Moonlight (2016)” el film ganador del maximo galardon de la Academia (bastante bien merecido en lo personal). 

Por lo anterior y por su gran repertorio de A24, la famelia por lograr ver “A Ghost Story” me dejaba intrigado, no lograba paciencia a la espera de este largometraje que sin duda causo un gran impacto emocional y existencial en mi.

David Lowery logra un guión donde la premisa de un fantasma representado con una sabana sobre el cuerpo que acosa el lugar de su residencia, superara el paradigma de las historias de fantasmas, y ese fantasma tan “silly” que no habla ni una palabra y se comunica por subtitulos me causara tanta melancolía y me llenara de placer. También me es importante reconocer que Lowery fue capaz de dirigir y editar de manera donde a pesar de una clara inspiración en “The Tree of Life (2011)” de Terrence Mallick y un poco del cine de Pawel Pawlikowski, no se siente ese tono de presunción, que yo esperaría. Sin mencionar un toque de cine oriental en lo facil que se logra meditar al termino de esta.

Dentro del tema actoral es bastante claro que personajes como Casey Affleck y Rooney Mara no se iban a quedar cortos, mostrando por partes una representación un poco Keatoniana por lo sutil en las expresiones faciales y una habilidad increíble de trasmisión emocional a la cámara, ademas de traernos escenas largas y de silencio absoluto donde el tiempo se vuelve aún más subjetivo.

Pd. Estamos viviendo en tiempos difíciles, México se encuentra en un situación muy difícil y mi querida Oaxaca sufre por la poca atención, películas como esta logran hacerme sentir mejor al caminar en escombros.

Movie Check #1207

Under Sandet (2015)

“Después de la segunda guerra mundial mas de 2,000 prisioneros alemanes fueron obligados a eliminar más de 1.5 millones de minas terrestres de las playas daneses”

Under Sandet es el tercer largometraje del ahora director danés Martin Zandvliet y nos cuenta una oscura y tenebrosa verdad ocurrida en las costas daneses al termino de la segunda guerra mundial, donde un grupo de jóvenes del ejercito nazi, de entre 15 y 18 años son obligados a desactivar minas terrestres, que los alemanes pusieron en la costa oeste de Dinamarca. 

Este multipremiado film Danés nos muestra los horrores de la guerra y de como un pequeño grupo de jóvenes prisioneros de guerra intenta no quebrarse ante la horripilante situación que están viviendo. La actuación de cada uno de los jóvenes es soberbia, al poder lograr simpatizar a la audiencia, pero sin duda alguna Roland Møller es quien lograr cargar la mayor parte del film en sus hombros, y a pesar que en la primera parte de la película Zandvliet nos muestra a un sargento Carl Rasmussen despiadado y con profundo odio hacia la Alemania nazi, el personaje de Møller evoluciona para mostrar a un sargento consciente de lo que la barbarie de la guerra es para los muchachos.

La ambientación de la playa se vuelve un gran elemento para la fotografía de Camilla Hjelm, logrando intencionalmente que olvidemos que la inocencia de los jóvenes no es pura y blanca como este film nos muestra, pero mostrando un gran impacto visual como el cometido por el film de Elem Klimov “Idi i smotri (1985)”.

El cine bélico siempre intenta construir un ambiente de suspense e intriga, y creo que esta cinta logra su cometido por la gran dirección, mas sin embargo, el guión se vuelve un poco confuso al cambiar y forzar situaciones de los muchachos.

Movie Check #1198

Picnic at Hanging Rock (1975)

“Whether this story is true or not, the characters involved a long since dead so it hardly seems to matter”

Picnic nos relata de una forma elegante y precisa una novela de misterio de la escritora Australiana Joan Lindsay del mismo nombre. Durante el transcurso de este film, uno puede observar una clara división en 2 actos del film, cambiando el ritmo gracias a una ambientación musical llena de intensidad y efusión, el primero tomando lugar cuando una excursión del internado para jovencitas Appleyard a el paraje volcánico de Hanging Rock donde la desaparición de 3 alumnas y una institutriz toma lugar, el segundo, nos cuenta las consecuencias que sufren el resto de los personajes desde la misteriosa desaparición masiva.

Definitivamente este film logra destacarse del resto, gracias a una excelsa dirección por parte de Peter Weir, logrando desenvolver la trama con un genial simbolismo, volviéndola en mi opinión una gran apología y ganando definitivamente un lugar dentro de mis films favoritos.

Picnic logra relatar esta historia con una gran fineza y con un obvio cariño hacia la novela de Lindsay, ademas de mostrar una sensualidad desgarradora en personajes poco explorados (tómese a interpretación).

Peter Weir nos demuestra una vez mas lo que es capaz, y puedo decir con seguridad que es un gran veterano del cine ahora, y hace mas de 40 años, cuando esta obra fue liberado al publico.

Me encantaría escribir sobre cada uno de los personajes, sobre Miranda (Anne- Louise Lambert) la sensual rubia deseada por todos y todas, y cuyo bello rostro es la viva imagen de un “ángel de Boticelli”, o sobre la figura autoritaria de Mrs Appleyard (Rachel Roberts) donde su actuación elegante y fría pareciera la misma Louise Fletcher en “One Over the Cuckoo´s Nest (1975)”

Picnic at Hanging Rock es un film a explorar, y no pararé de recomendar esta gran obra maestra.

Movie Check #1195

War for the Planet of the Apes (2017)

Hace poco menos de 1 año tome la decisión de evitar a toda costa el observar trailers o teasers en prácticamente cualquier plataforma, evitando así el tan famoso y molesto “spoiler” que, a mi parecer, a llegado a tal punto de marketing, donde los espectadores no se dan cuenta que el plot principal de la película la han visto ya 2 veces.

Dicho esto, no puedo creer lo orgulloso que me siento de poder haber disfrutado esta tercera entrega de una precuela, de una película de ciencia ficción de 1968, basada en una novela un lustro antes (sobre-explotación en su máximo esplendor).

Durante 2 horas 20 minutos pude disfrutar una película que tuvo todo lo que esperaba para cerrar una trilogía que a mí parecer es una de las mejores que he visto. Pude observar la evolución de un personaje como César (Andy Serkis), secuencias de acción excelentes (y un tanto ridículas), un antagonista (Woody Harrelson) fácil de entender y con buenos motivos para existir. 

Este film logra explotar el personaje de Cesar mucho más que en las primeras 2 entregas (Rise (2011) y Dawn (2014)) cosa que Andy Serkis fue excelente interpretándolo gracias a la dirección de un Matt Reeves maduro y con excelentes expectativas mías en un futuro cercano, una sutil alegoría durante el film lo vuelve este un poco mas de lo esperado (simios sobre caballos disparando armas). 

War for the Planet of the Apes es una película que se debe recomendar para pasar un buen rato en el cine y disfrutar de elementos de el film que los cinefilos apreciaran.

Movie Check #1194

Berlin Syndrome (2017)

“Drama, Thriller y Misterio”, una descripción bastante acertada sobre esta increíble película. Berlin Syndrome trata de contar una historia sobre el Síndrome de Estocolmo de una manera diferente, nada parecida como hemos visto en “Buffalo '66 (1998)” ni en la gran O.P. de Terrence Mallick “Badlands (1973)”. 

Berlin Syndrome nos cuenta una historia de secuestro desde puramente la perspectiva de Clare (secuestrada) y Andi (secuestrador), logrando mostrar un gran trabajo actoral de ambas partes, además de lograr desarrollar casi perfectamente a los personajes.

No cabe duda del impacto emocional que Cate Shortland trata de mostrar mientras la película progresa, mostrando cada vez imágenes más perturbadoras logrando que el ritmo de la película sea constante y atrayendo la atención del espectador, y te deja esa gran nudo en la garganta que solo un gran director de fotografía y directora logran.

Sin embargo la película no es perfecta desde mi punto de vista, tiene errores pequeños para mi gusto, donde las decisiones tomadas por nuestro héroe son bastante dudosas y pareciera darse por vencida en múltiples ocasiones, además de no culminar ideas creadas en la segunda mitad, más sin embargo, el intento de Shortland de representar el Síndrome de Estocolmo es bastante claro dejando un sabor amargo y mi garganta seca por varios minutos.

Movie Check #1193                

My Daily Films

Hoy siendo el primer minuto del día 24 de Julio de 2017, a mis 21 años de edad y con 1191 películas vistas (registro poco confiable debido a mi poca atención), decido intentar una pequeña prueba, registrar y hacer un pequeño “review” sobre los siguientes films que veré en este año. 

Cabe recalcar que nunca he escrito nada en mi vida, nunca he utilizado Tumblr (?) y he leído mas o menos 30 libros a lo largo de mi frívola vida, lo que mi más grande virtud será mi ignorancia en estos momentos. 

Espero hacer un pésimo trabajo y cometer miles de errores de redacción :)  

Pd. Siempre intento vivir bajo ciertas reglas en el día a día y hoy romperé unas cuantas al intentar que el yugo “intelectual” cree aplausos imaginarios de gente que no conozco.